La Alfombra y el Cubo (parte I)

Después de haber pasado un tiempo ocupado trabajando en un canal de televisión, y con esa experiencia a cuestas, comencé a pensar sobre este  nuevo post. En el canal era parte del departamento de arte del área dramática, y fui parte de la creación y ambientación de sets para el desarrollo de telenovelas. Es todo un arte el poder ambientar, ya que se debe recrear una realidad “irreal”, donde todo lo que vemos es tan real que llega a no existir, nada de lo que vemos, “es”.

A través de esa experiencia, reflexioné  sobre las bases fundamentales de la decoración y la ambientación de espacios ya que, si bien es un proceso bastante complejo lograr “dar vida” a un espacio creado y recreado, debiesen existir bases previas para su conformación. En la reflexión que realicé y, con toda la información que he internalizado en varios años, llegué a una hipótesis bastante personal: todo manejo de interiorismo parte de un cubo y una alfombra. Son éstos, probablemente, los elementos más antiguos a la hora de lograr cierta comodidad y resguardo.

La alfombra

La alfombra se originó quizás por dos motivos importantes: para recubrir el suelo en el interior de las tiendas y poder así aislar el piso desnudo, y también como un elemento que lograse dar calor, sin la necesidad de sacrificar animales. Según los estudios, los inventores de las alfombras serían pueblos nómades en alguna zona asiática de montaña. De ahí también su principal característica: es móvil. De la necesidad de imitación de los vellos de animales, nace la técnica de adherir pequeños pelos a la alfombra mediante distintas técnicas de anudado que hasta el día de hoy se conservan. De ahí proviene la medición de la calidad de las alfombras según sus nudos por decímetro cuadrado. Mientras mayor es la cantidad de nudos en un espacio, mayor es su calidad y su valor.

La alfombra más antigua conocida y que se conservan restos de ella, la podemos encontrar en el museo de “Hermitage” en San Petersburgo, Rusia. Es la llamada alfombra de Pazyryk, ya que fue encontrada en la tumba de una escita en el valle de Pazyryk en el año 1949. Se logró preservar durante tanto tiempo ya que se mantuvo congelada por una inundación previa que sufrió la tumba. Según los procesos de data, la alfombra es del siglo V a. de C.

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Conforme transcurre el tiempo, la alfombra ha tomado importancia en diversos ámbitos, pero siempre manteniendo su esencia. De acuerdo a la zona geográfica que se pueda analizar, se verán motivos decorativos especiales, formas de anudación, materiales empleados, y tipos de terminación especiales.

Un uso especial que se le ha dado a la alfombra es el dado por el Islam. Utilizan alfombras para realizar su proceso de oración a través de las distintas etapas del día.  Este tipo de alfombra es especial: es una alfombra pequeña ya que es para uso individual; y tiene direccionalidad, es decir, una zona no es similar a la otra, decorativamente es como una fecha que nos indica un sentido. Su función es clara: a la hora de rezar, la alfombra debe ponerse en sentido tal que el orante debe quedar mirando a la Kaaba (Meca), su lugar sagrado.

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Esta localización geográfica es ayudada en las mezquitas por elementos arquitectónicos integrados en la construcción que nos indican y ayudan hacia qué lugar se debe orientar la alfombra. El nombre de este elemento es Quibla.

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Le gusta la tecnología? Agradécele a los antiguos griegos.

Hoy, en pleno siglo XXI, somos testigos de elementos que hasta hace unos años era imposible si quiera concebirlos. Pues ahora esos elementos los tenemos al alcance de nuestra mano. Muchos dan lo que sea por obtener teléfonos móviles inteligentes, reproductores de música del porte de la palma de la mano, pantallas que se manejan de manera táctil, etc… También gracias a ellos (o a pesar de aquellos) estamos contactados y ubicables la mayor parte del dia, lo que en extremos nos hace depender de nuestros dispositivos y llegar a hacer esclavos de ellos.

Si bien hemos visto importantes avances estos últimos años, creame que nada hubiese sido posible si en los primeros siglos de la era Cristiana no se hubiese desarrollado pensamiento tecnológico. Todos se basan en las investigaciones helénicas: los elementos de la revolción industrial, los pensadores ilustrados..incluso hasta el genio Lenardo Da Vinci tomó como base a los antiguos personajes para realizar sus obras. Pero hay que ser justos, los egipcios también realizaron colaboraciones en el campo tecnológico y desarrollaron importantes mejoras en el cambio de la tecnología agrícola e ingenieril.

La gran Biblioteca de Alejandría guardó por muchos años todo el saber antiguo que los grandes personajes dejaban plasmados. sus teorías e inventos, sus fracasos y éxitos. De aquí podemos recoger a 3 grandes personajes que realizaron importantes avances en este campo y que hicieron de la energía su principal objeto de estudio, en los diferentes campos aplicables en ese período.

ARQUÍMEDES era de Siracusa, y vivió en el siglo III a.de C. Fué uno de los más importantes matemáticos y un genio de la invención.

Estudió la física mecánica, con la cual desarrolló una serie de inventos: desarrolló un estudio sobre la teoría de la balanza, lo que lo lleva a inventar la balanza asimétrica o también conocida como “romana”.

Estudió la espiral, en la cual se basó para inventar la rosca, para luego aplicarla al “tornillo sin fin”. Y también inventa un sistema diferencial de transmisión en base a cuerdas y tambores.

CTESIBIO vivió alrededor del 270 a. de C. Realiza estudios en relación a cuerdas y contrapesos, aunque se dedica más exhaustivamente a experiencias con el agua. Crea la Neumática o ciencia de la hidráulica. Desarrolla el primer órgano de agua o Hydraulys e inventa la Clepsidra (reloj de agua).

A HERÓN, de Alejandría,  solo se le conocen sus obras, poco de su vida. Vivió en el I a. de C. porque en sus libros describe un eclipse que ocurrió en el año 62. Sin embargo, pese a saberse poco de su vida, se conocen las obras realizadas por él, entre las cuales podemos destacar las 5 más importantes:

  • Dioptra: el título corresponde a un instrumento de medición para terrenos. En esta obra aparecen descritos instrumentos para medir, los cuales eran los más precisos de la época. también se describe el eclipse visto por el

  • Belopoiica: esta obra está destinada al estudio de las catapultas.
  • Mecánica: aquí aparecen una serie de herramientas para arquitectos, ingenieros y constructores. describe la prensa de tornillo para prensar frutas.
  • Neumática: habla de la utilización del agua y hace todo tipo de aplicaciones como bombas, órganos, calentadores y juegos de ingenio.
  • Teatro automático: describe un teatro de juguete en que los personajes se mueven por si solos a través de un sistema de pesos y agua. De aquí nacen los “Autómatas”

Una de sus obras más importantes es la Eolípila, que se concidera la primera máquima a vapor inventada en la historia.

Así que cuando tengas algún objeto tecnológico en tus manos, no te olvides de estos personajes que hace un par de miles de años atrás soñaron algún dia lo que nosotros manejamos todos los dias.

Leonardo Live HD Santiago de Chile

El Domingo 25 de Marzo y 1 de Abril, en el Teatro Nescafé de las Artes de Santiago de Chile se transmitirá la exhibición de la National Gallery de Londres “Leonardo da Vinci: Pintor en la corte de Milán”. Son 100 minutos donde se aprecia un recorrido en alta definición de la exposición realizada en la ciudad inglesa junto a los comentarios y análisis de historiadores del arte, curadores y expertos en la obra de Leonardo. Además, se podrán apreciar por única vez reunidas desde su creación, las dos versiones de “La Virgen de las Rocas” que se encuentran  tanto en el Louvre de París como en la National Gallery de Londres.

No pierda esta única oportunidad de ver esta hermosa exposición con sus respectivos comentarios. Aprenda de arte y admire a los grandes maestros, aprovechando de aumentar su cultura.

La “Gioconda” del Museo del Prado

Sin duda es uno de los descubrimientos más interesantes del último tiempo: una réplica de la célebre obra de Leonardo Da Vinci, ubicada en el Museo Madrileño. Se comenta que fue un discípulo de artista quien pintó esta réplica mientras el original era realizado en paralelo por el genio universal.

Revisa aquí los pormenores de la noticia y una comparación de ambas obras. El parecido es impresionante:

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/02/01/actualidad/1328129037_819926.html

Mucha, Cheret y Toulouse-Lautrec: El glamour del cartel de comienzos del siglo XX.

Al finalizar el siglo XIX y comenzar el XX, una serie de cambios estilísticos y evoluciones estéticas se dieron principalmente en Europa. Estos cambios abarcaron a las más variadas áreas de las artes. El campo de la gráfica no fué la excepción, y podemos encontrar a tres de los más importantes cartelistas de todos los tiempos. Algunos los llaman los padres del cartel moderno…tal es su trascendencia e importancia. Si bien son encasillados en el estilo artístico que imperaba en la época, el Art Nouveau (nombre general para el estilo, pero que en cada país tomaba una denominación diferente), no necesariamente eran seguidores de sus influencias.  Estos tres cartelistas comparten ciertos elementos y visiones, pero también cada uno es reconocible de manera independiente con tal solo mirar sus trabajos. Acá vamos a desarrollar sus características para poder apreciarlos.
Alfonse Mucha fue un artista checo que desarrolló su obra principalmente en París. Se le considera el máximo exponente del Art Nouveau por la cantidad de características del estilo que utiliza en su trabajo. Su fama la logró realizando los carteles para la famosa actriz Sarah Bernhardt y su Theatre de la Renaissance, logrando la difusión de su fama. Se transformó en la musa inspirado de Mucha.

La obra de Mucha introduce elementos del estilo Art Nouveau claramente identificables. Encontramos en primeros plamos mujeres hermosas y jóvenes, desafiando la gravedad y flotando en el espacio, con sus pelos al aire formando enredaderas que rodean todo el conjunto y coronadas por elementos florales y vegetales que hacen del producto casi una ensoñación. Su gran ornamentación en alguna ocasiones se vió aumentada por la utilización de mosaicos a modo de influencias bizantinas que le daban a su obra un halo oriental, introduciendo el texto dentro de la escena haciendola partícipe del conjunto gráfico.

Su temática fué bastante variada, desde los carteles para el teatro, pasando por avisos publicitarios de bicicletas, productos, destinos turísticos, hasta ilustraciones para calendarios. Sin embargo, traspasó el área de la gráfica y podems observar trabajos relacionados con la joyería y la ambientación de interiores y objetos. Muy conocida es la colaboración que tuvo con el joyero George Fouquet, el cual diseñó una linea de joyas basadas en los diseños de Mucha, además de diseñar la tienda para el joyero. Si bien el catálogo de Mucha es bastante extenso y de una belleza superior, los ejemplos que voy a exponer son una idea de cada area en la cual desarrolló su trabajo.

Quizás, un de sus trabajos más famosos es la publicidad para el papel de cigarrillos Job. La mujer mujer en primer plano extasiada después de una bocanada del cigarro, el cual se une con el aroma del humo que invade la escena junto con su pelo, uniéndose en una armonía orgánica. Mucha realizó dos avisos publicitarios, éste es el más famoso.

Los carteles para las obras protagonizadas por Sarah Bernhardt que van desde La Dama de las Camelias, Medea, hasta una versión de Hamlet se viste de hombre para realizar el papel principal. A continuación el cartel para la obra Gismonda.

Un destino geográfico.

Y la realización de ilustraciones para las cuatro estaciones del año.

 

Jules Cheret provenía de una familia de artesanos humildes de París. Su interés por e arte lo llevó a tomar un curso. Si bien sus pinturas le dieron cierto respeto, trabajaba realizando carteles para mantener su vida, ya que estuvo 3 años al resgujardo de un litógrafo aprendiendo sus técnicas. Fué este trabajo el que le hizo famoso y siendo reconocido hasta el dia de hoy como uno de los padres del cartel.

Su temática en un comienzo fue la vívida noche, cabarets, teatros y diversas obras. Posteriormente, amplió el rubro a elementos publicitarios para productos y servicios diversos, aunque manteniendo su característica imagen.

Principalmente la obra de Cheret se basa en un fondo de color aguado y figuras difuminadas en los planos posteriores que dan paso a la imagen en primer plano, principlamente una mujer graciosa que realiza la acción del elemento a promocionar, ya sea un evento o un producto. Un detalle importante es la utilización de luz artificial con un foco dirigido al primer plano en las escenas ilustradas. Es por esta razón que se le da un toque amarillo cálido a la escena. La tipografía juega un papel muy importante en la obra, tan importante como la ilustración. Está realizada en forma manual  y recorre en varias formas y colores la escena, dándole mayor dinanismo.

Asi como Mucha tenía su musa inspiradora, Cheret también tenía su modelo preferida que posaba para sus escenas. Se le denominó ” La Cherette”.

Las imágenes a continuación sirven para ejemplificar las características del cartel de Cheret explicadas anteriormente, y las distintas áreas en la cual desarrolló su trabajo.

Uno de los avisos más destacados para la vida nocturna los realizó para el Folie Bergere, dando a conocer con gracia los eventos a desarrollar cada noche.

También realizó avisos publicitarios para destacadas compañías de teatro, dando a conocer sus estrenos.

Y uno de los avisos más importante y famosos para promocionar un producto. El petróleo para lámparas Saxoleine. Es parte de una serie de avisos para este producto.

 

Toulousse-Lautrec es quizás el más reconocido de los cartelistas de la época.  Hijo de un matrimonio aristocrático concertado entre primos en primer grado, marcó la salud del artista. sufría de problemas de desarrollo oseo, lo que le valió muchas fracturas y alcanzar la estatura de solo 1,52 mts.

Decidió ser pintor y, junto con trasladar su residencia a Montmartre (el barrio bohemio) en París, se codeó con los artists más importantes de la época: era amigo de Van Gogh, vecino de Degas, entre otros. Estando en esa zona, la fascinación por los lugares de entretención lo llevó a visitarlo con mucha frecuencia y entablando relación con su gente: artistas, bailarines, prostitutas.. y todo lo relacionado con ese mundo oscuro de París, lo que también lo llevó a realizar sus obras sobre ese tipo de temáticas ya que nunca le interesó el paisaje, muy de moda entre los artistas impresionistas de la época. Asi, pintaba a los cantantes y bailarinas en plena actuación, detrás de escena, peleas, y un sinfin de acciones que ocurrían en los locales. Ésto llevó a sus dueños a encargarle carteles para publicitar sus espectáculos, los cuales el artista accedió a realizar. Sin embargo, el alcohol, la sífilis, manías y depresiones deterioraron su salud. Sin embargo, y postrado en un sanatorio, realizó sus últimas obras relacionadas con el circo.

Las características de su obra se pueden apreciar en: primeros planos en color y posteriores en blanco y negro o difusos, grandes zonas donde existen planos de color, el trazo suelto y rápido que posee su dibujo, y el texto realizado a mano que forma parte de la escena.

Sus trabajos más reconocidos los realizó para el Moulin Rouge, donde retrató en varias ocaciones a una de las principales bailarinas del local “La Goulue”

Dentro de su vida nocturna, se hizo amigo de una bailarina de can-can en Moulin Rouge: Jane Avril, la cual fué inmortalizada en varias de sus obras y famosa hasta el dia de hoy.

Las características de la obra de Toulouse – Lautrec pueden ser bien apreciadas en el afiche realizado para el local Divan Japonais: Diferencianción de planos, fondos difusos, y planos de color.

También conoció a un propietario de locales nocturnos y cantante llamado Aristide Bruant, que inmortalizó en sus carteles. Gracias a ésto, se le conoce como el hombre de la bufanda roja y capa negra. Este cartel es para su presentación en el local Ambassadeurs.

De estos tres exponentes nace el cartel moderno. Cada uno con su visión, cada uno con su pasión.

Respuesta!

La respuesta correcta es: Luis XVI.
Para reconocer algún estilo en los muebles de asientos nos tenemos que fijar principalmente en patas y respaldo. Generalmente los muebles del periodo Borbón francés tienes la característica de forma que sus patas delanteras son similares a las traseras, no así los muebles ingleses. Por lo tanto ya podemos hacer una diferencia: que este mueble es francés. En el caso del estilo Luis XVI, las patas de los muebles son en forma piramidal invertida (llamada técnicamente Estípite) o en forma de cono invertido (como la que vemos en la imagen. en este caso la diferencia entre la parte superior e inferior es poco perceptible). La pata remata en un cubo, que es la unión de ésta con el asiento y, en este ejemplo, es donde comienza el apoya brazos.
Otra característica importante es la relación del asiento con el respaldo: son independientes. Podemos verlos de manera independiente, otra característica del mueble Luis XVI. Y para finalizar, su respaldo en forma de medallón, figura muy utilizada en el periodo.

Pronto una nueva entrada y preguntas!

Pregunta!

La casa de construcción de la modernidad.

En la historia del diseño y la arquitectura existen varios “antes de y después de”. Pero hay uno de esos que creo viene a ser el más importante de todos, el que rehace la forma de mirar, analizar y proyectar…y sobre todo, de aprender. Este “año cero” se ubica en Alemania, en ese tiempo la República de Weimar. Si bien estaba proyectado que se iniciara en 1914, el destino puso por medio una guerra mundial,  comenzando en 1919. Hablamos de la Casa de Construcción, o más conocida como Bauhaus. La escuela de diseño, artes gráficas y arquitectura modelo de muchas alrededor del mundo hasta el dia de hoy, por su forma de entender la creación, su particular visión de enseñanza y sus resultados formales (polémicos en su época, íconos del diseño hoy). Su duración fue tan solo de algunos años, y su evolución se puede dividir en 3 grandes etapas, cada uno con una sede distinta y con un director diferente.

Sus antecedentes son variados, y se remontan a comienzos del siglo XX. Por un lado tenemos la reacción ante el intrincado estilo Art Nouveau imperante y posterior Art Deco; la evolución industrial que tuvo Alemania, tercer país que vivió una revolución industrial después de Inglaterra y Francia, y que llegó a convertirse en esta época en el primer país industrial, superando en ocasiones a Inglaterra; a los gremios de la Deutche Werkbund; y también con una mirada a la producción artesanal de William Morris y su estilo Arts & Crafts (artes y oficios). Une el trabajo artesanal con la producción industrial, dándole nuevas formas a los elementos y pudiendo ser fabricadas en procesos productivos seriados.

Se instala en 1919 en Weimar con Walter Gropius (arquitecto) como su director. Se crea un innovador plan de estudios, casi como un internado, donde hay un curso preliminar donde se le enseña al alumno a despojarse de los convencionalismos y activando la creación innata. Lo impartió Johannes Itten, imprimiéndole  una mirada bastante mística. Esta forma de inicio de los estudios se expandió más allá de las fronteras de Bauhaus y hasta el dia de hoy lo toman como modelo las escuelas de arquitectura y diseño del mundo. Posteriormente, los estudios se basaban en un cursos donde se les enseñaba configuración, color, y manejo de distintos materiales (metal, madera, vidrio, entre otros). Así, al terminar el ciclo dando el examen final, el alumno se convertía en Maestro.

Posteriormente, y quizás se podría decir que estos son sus años dorados, se traslada a Dessau y se nombra un nuevo director, Hannes Meyer. Gropius se retira para poder ocupar su tiempo en la creación de objetos. sin embargo, la escuela se comenzó a politizar y se utilizaban sus dependencias para centro de actividades políticas.

En 1930, por problemas políticos, se decidió sacar a Meyer de la dirección de la escuela. Subió al cargo Mies Van der Rohe que, con su lema de “despolitizar” la Bauhaus, realizó grandes modificaciones. Renovó los estatutos, aplicó la no-obligatoriedad del realizar el curso preliminar, y le dió un giro al estudio arquitectónico, convirtiéndose en una escuela de arquitectura, aunque sin dejar de lado los talleres de artes aplicadas. Su cambio fué todo un éxito, despolitizó la escuela, introduciendo un nuevo programa apolítico. Su lema ahora “Bau und Aus- bau” (construcción y desarrollo). Una  nueva sede acogió la escuela, ya que los Nacionalsocialistas tomaron poder de Dessau. Esta vez se ubicó en Berlin.

3 años logró seguir funcionando la escuela, ya que la Gestapo persiguió a los locales-escuela para encontrar literatura e información comunista. El pasado político de la escuela y sus directores jugó en contra, y se clausuró por “insalubre”. El 19 de Julio de 1933 los profesores de Bauhaus se reunieron y votaron por la disolución de la Institución, la que tuvo el necesario apoyo, marcando oficialmente el fin de esta escuela.

Posteriormente, algunos profesores viajan a Estados Unidos, escapando de la persecución alemana. Moholy-Nagy y Albers llegan a Chicago e inauguran la Nueva Bauhaus de Chicago, de corta duración.

De vital importancia para esta nueva concepción fueron sus profesores. Reconocidos artistas de la pintura moderna fueron los que dejaron su huella en la enseñanza en Bauhaus: Moholy-Nagy, Josef Albers, Wassily Kandinsky entre otros maestros de la abstracción. Ésto logró una visión funcionalista, geométrica y simple en sus diseños y construcciónes, lo que lo hace atemporal y refinado.

También coexistían talleres de teatro y artes escénicas. Famoso es el ballet Triádico de Oscar Schlemer, que utiliza las figuras esenciales geométricas, las cuales son traspasadas al movimiento de los actores utilizando máscaras para resaltar el movimineto en el espacio y no la expresión de los actores.

Tan innovadores son sus productos, que hasta el día de hoy podemos admirarlos y adquirirlos a altos precios, ya que son símbolo de buen gusto y modernidad, aunque hayan sido creados hace más de 80 años en la gran Casa de Construcción.

Censurado: arte erótico antiguo.

Eros, el Dios del amor, considerado por las culturas antiguas el principio de toda creación. Su culto era desarrollado de manera importante, principalmente para efectos de fertilidad, obtención de alimentos. Una de las formas de rendir culto era a través de imágenes, tanto en dos dimensiones como tridimensionales. El “proto-arte” es bastate claro en este sentido, exacerba las zonas de fertilidad de humanos y algunos animales.  Las venus (Dolni Vestonice o, quizás la más conocida, la de Willendorf, con sus senos y partes púbicas aumentadas de manera considerable) son un claro ejemplo.

También en el campo de la representación masculina podemos observar ejemplos: existen representaciones en tierra de formas masculinas con sus partes genitales erectas como símbolo de fertilidad y quizás de poder. Estas muestras son individuales, quiero decir, que se presentan con un solo personaje. Lo peculiar, y quizás para algunos lo más polémico, es cuando hay una interacción de dos o más actores. Ya sea entre elementos humanos o entre humanos y elementos compuestos humanos y zoomorfos.

Sin duda las acciones sexuales también han sido representadas, tanto en el arte prehistórico como antiguo, y también en las artes decorativas. Existen imágenes de dibujos en rocas de 5000 años de antigüedad que nos representan coitos entre elementos femeninos y el elemento masculino que mezcla cuerpo humano con cabeza zoomorfa.

En el antiguo Egipto también es posible encontrar representaciones sexuales. Asi, podemos observar en un papiro una escena de sexo oral, como relación al culto fálico que al parecer poseían.

Pero sin duda donde existen mayor cantidad de ejemplos, aunque éstos han sido bastante guardados y poco publicitados, es en relación a la antigua Grecia. Poseemos un sinnúmero de pinturas, mosaicos y decoraciones asociadas a la temática erótica y sexual del período. Algunos elementos los asociamos a parte de escenas de la vida cotidiana, como por ejemplo los banquetes, fiestas dedicadas a Dionisio, o durante el deleite musical. Se pueden observar escenas de parejas y orgías; hetero, homosexuales y algunas zoofílicas. Cabe recordar que la sexualidad en la antigua grecia era bastante más liberal que como la conocemos hoy en dia, ya que era común las relaciones homosexuales dedicadas al placer, y las heterosexuales dedicadas a la procreación.

Así discípulos con maestros, y bellos efebos con sus patrones eran vistos comúnmente en escenas eróticas. Podemos observar estas representaciones principalmente en la decoración de artículos domésticos, como lo son toda la rica gama de vasos creados para diversos fines. Tan polémico ha sido el tema que, en algunos libros especializados en muebles de estilo, muestran una famosa mesa trípode de bronce del periodo grecolatino con sus patas trabajadas en forma de faunos con genitales erectos, con estas partes borradas de la imagen, quitandole sentido a la decoración.

(*) no esperes encontrar estos ejemplos en la sala griega del museo del Louvre, o en el British Museum. Estos elementos no suelen ser expuestos en los museos tradicionales.

La pinturas murales y mosaicos los podemos observar principalmente en las villas de Pompeya y Herculano (ciudades “balneario” que fueron destruidas por la erupción del volcán Vesubio del año 79 d.C.), donde las casas de los más adinerados eran centro de las más ricas y refinadas decoraciones.

Si piensas que solo en la Antigüedad se desarrollaba este tipo de temática…¿sabías que también hay ejemplos de arte erótico en la Edad Media?

Arte y Diseño para el 2012: un saludo de nuevo año.

Más de 100.000 años de antigüedad.

Este blog lo creé hace algunas algunas semanas, quizás con el inconsciente fin egocéntrico de que cientos de personas lo leyeran, lo siguieran y lo compartieran…partiendo de un tema que humildemente me apasiona, que trato de aprender y enseñar con un granito de arena cada dia y que me gustaría poder ayudar a difundir para el gusto de más y más personas: el arte y el diseño.

Ya quedando algunas horas para el fin de este año 2011 en este uso horario, ya que en otras zonas ya es nuevo año, quiero enviar un cercano saludo a ustedes que siguen el blog aplicando un “follow”, que entran a esta página para ver si hay algo nuevo, que simplemente ingresan de vez en cuando, o que por curiosidad les llegó el dato de la dirección y entraron alguna vez, o que simplemente lo hicieron y no les agradó…un saludo de esperanza para este año nuevo 2012. Para todos aquellos que el 2011 fué increíble y desean un nuevo año igual o mejor, para aquellos que el año que se va fué horrible y esperan que el que se avecina sea en todos los sentidos mejor, y para aquellos que el año que nos deja fué difícil y saben que el siguiente les seguirá siendo complejo, batallando cada día por algo mejor…mis mejores deseos para que todo sea mejor el 2012. Y hacerles saber a todos ustedes que me leen, que pueden compartir lo que deseen por acá, este blog se hizo para compartirlo y hacerlo crecer cada día más, quizás no en número de visitantes, sino en la calidad de los lectores que lo hacen importante…porque saben que en este blog, a través del arte y la decoración, podrán dejar de lado por un instante todo lo que los aqueja…esa es la función de la belleza.

Que sea un buen año este 2012, mis queridos lectores.

Cristian.